Ángel Vargas

Periódico La Jornada
Sábado 25 de abril de 2026, p. 2

Hay olores y sabores que jamás se olvidan. Edurne Esponda Ugartechea lo sabe bien. La artista nacida en Oaxaca –además del uso irrestricto del color– ha construido parte de su obra sobre esa certeza, teniendo de materia prima mucho de lo que lleva dentro desde su infancia.

A lo largo de los 10 años más recientes, ha trabajado en una serie pictórica que es al mismo tiempo un recetario visual, un homenaje al telar de cintura y una rebelión contra las etiquetas del mundo de la moda.

Todo ello converge en Código propio II, exposición que después de recorrer desde 2015 parte de México, España e Inglaterra se exhibe por vez primera en la capital del país, en Picci Fine Arts, para concluir su itinerancia.

Conformada por 27 piezas en diferentes formatos, la muestra explora los códigos visuales de la moda y la gastronomía contemporánea, materializados a través del color, el empaste y la expansión tridimensional, según información de la galería, con la cual la creadora colabora desde 2004, cuando ese espacio se llamaba Arcos Itatti.

“En estas obras, Esponda activa la memoria sensorial del espectador mediante una iconografía abstracta inspirada en la riqueza cromática de la tradición culinaria mexicana, particularmente la oaxaqueña, integrando referencias culturales y personales en un lenguaje pictórico vibrante y evocador.”

Constructora de universos cromáticos

Hija de madre vasca y padre oaxaqueño, a esta pintora y diseñadora lo que más le atrae del arte y la moda es el color. Lejos de los manuales de sicología, ella construye un universo cromático propio donde el rojo no es agresión ni el azul melancolía.

“Me fascina el color porque sí. Me preguntan cuál es mi favorito y respondo: ‘depende para qué’. Me gustan todos”, asegura. Su mirada, entrenada en los mercados de su tierra natal, captura bloques cromáticos donde otros ven mercancías. “Oaxaca es un museo viviente. Si algo sobra ahí es el color”, sostiene.

Esa pasión se traduce en una técnica depurada alejada de artificios. “No mezclo el óleo con nada, no hay arena. Todo el mundo me pregunta si le echo brillo; no, él sólo da todo. Son cargas ‘bestiales’ de pintura. El brillo natural del óleo siempre lo he comparado con la piel humana: tenga la edad que se tenga, tiene un brillo bonito”.

Reafirmación de unicidad

Tanto el título de esta serie como de la exposición no es casual. Tiene que ver con que Esponda estudió diseño de moda y textiles, y trabajó ocho años con Óscar de la Renta en Nueva York. En ese universo textil, explica, “absolutamente todo tiene un código”: botones, colores, tallas…

La pintora decidió retomar ese concepto en su quehacer artístico desde un ángulo crítico y contestatario. “Lo hago al revés: se trata de no dejarnos etiquetar, reafirmar que somos únicos e irrepetibles”.

Para ella, los códigos tienen muchas lecturas y discursos. La primera vez que creó uno fue aún en el mundo de la moda, y a partir de ahí se ha vuelto un elemento fundamental de su trabajo.

Explica que ella codifica todo por tamaños y colores, como le ocurre con los alimentos en los mercados. En Código propio II codificó “literalmente” el mercado de especias y las nieves de la plaza de la Basílica de La Soledad de la ciudad de Oaxaca.

Así, en esas 27 pinturas los alimentos oaxaqueños –el mole amarillo, el mezcal, la sal de gusano, la hoja de aguacate, el chepil– son transformados en bloques de color y texturas sobre lienzos.

En particular, la artista recuerda que de niña, más que comer nieves de barril que venden en Oaxaca le interesaba observarlas: “Me fascinaba ver los colores y texturas, las transparencias del hielo, que nunca son uniformes”.

Esa fascinación infantil es ahora óleo sobre tela, con códigos de barras que –precisa– no son rayas: “esos códigos tienen que ver con los ingredientes, los sabores”.

También son una forma de aludir al telar de cintura de la mujer, sobre todo en Oaxaca. “Por eso la mayoría de las piezas tienen cortes verticales y transversales muy remarcados. Ahí suelo meter más carga de textura, simbolizando un poco la urdimbre y la trama”.

Este gesto es su “manera de honrar el trabajo de la mujer y posicionarla”, remarca, porque hasta hace no mucho “ellas tejían para el sacerdote, para el gobernador, sin tener un lugar propio”.

Detrás de la pintura de Esponda hay mucho de perceptivo y sensorial. También de emocional e intelectual, precisa. En esta muestra busca “plasmar que los olores y los sabores no son efímeros. Creo que todos tenemos muy presente algún platillo de la abuela o de mamá. Hay ciertos olores y sabores que jamás se nos olvidan; tampoco, a veces, cómo se ven o lo que representan”.

Considera que lo que trata de hacer el arte abstracto es “plasmar lo que la mayoría de los ojos no ve, aquello que es imperceptible para la mirada”.

Para Esponda, la pintura y la gastronomía no son tan distantes. “Los chefs y las mayoras tienen una especie de laboratorio de experimentación, son espacios creativos; los artistas conceptuales, también”, dice. “De alguna forma, yo cocino mis óleos. Puedo pintar varios a la vez, como quien cocina varios guisados al mismo tiempo; los tengo que dejar reposar, que se sequen, que tomen su tiempo. No se puede tener prisa para hacer un mole. Con la pintura pasa igual”.

Inaugurada el 16 de abril, la muestra permanecerá abierta cuatro semanas más en Picci Fine Arts (Alpes 700 A, colonia Lomas de Chapultepec).